Les 15 caractéristiques les plus importantes du théâtre

Les caractéristiques les plus importantes du théâtre sont étroitement liées aux éléments communs à toute œuvre ou performance. Le terme théâtre a ses origines dans le mot grec theatron, qui signifie "lieu où regarder".

Par conséquent, à l'origine, le théâtre faisait référence à la fois à un lieu et à une forme particulière de perception. De nos jours, le concept de théâtre peut faire référence à: un bâtiment, une activité (aller au théâtre), une institution et une forme d'art.

Le théâtre est la branche de l’art scénique lié à la performance et à la représentation d’histoires devant un public, utilisant une combinaison de discours, de gestes, de paysages, de musique, de sons et de spectacles qui cherchent à stimuler et à exciter le spectateur.

L'esprit joue également un rôle important dans le théâtre, puisque cette expression artistique est déchiffrée en fonction de la perception et de l'imagination du spectateur.

Tous les jeux ont des éléments communs qui caractérisent cet art. Ensuite, vous pourrez voir plus en détail les caractéristiques les plus remarquables.

15 éléments caractéristiques du théâtre

1- Terrain

C'est ce qui se passe dans le travail. Il fait référence à l'action. L'organisation d'événements ou la sélection et l'ordre des scènes dans une pièce de théâtre. Selon Aristote, il s'agit d'un concept abstrait qui fait référence à la disposition des incidents qui constituent la matière première et les composants de l'histoire.

L'intrigue est la manière dont ces incidents sont structurés dans un tout cohérent. Si la disposition d'origine de la commande est modifiée, un nouveau cadre sera généré. Au théâtre, deux types d’intrigue prédominent. Ensuite, ses principales caractéristiques et éléments de différenciation:

Écran de résolution

L'intrigue commence tard dans l'histoire, plus près de la fin ou de l'apogée.
Cela couvre un court laps de temps.
Il contient quelques scènes solides et développées.
Se produit dans une localité restreinte, une pièce ou une maison.
Le nombre de caractères est sévèrement limité.
Il y a peu de cadres secondaires.
La ligne d'action se déroule dans une chaîne de cause à effet. Les personnages et les événements sont étroitement liés dans une séquence de développement logique, presque inévitable.

Parcelle de révélation

L'intrigue commence relativement tôt dans l'histoire et passe à travers une série d'actes.
Il couvre de longues périodes de temps.
Beaucoup de scènes courtes et fragmentées ou l'alternance de scènes courtes et longues.
Il peut couvrir toute une ville ou même plusieurs pays.
Abondance de personnages.
Fréquemment marqué par plusieurs fils d’action, plusieurs histoires parallèles.
Les scènes sont associées les unes aux autres. Un événement peut avoir plusieurs causes, ou aucune cause apparente, mais il survient dans un réseau de circonstances.

2- Thème

Si l'intrigue fait référence à l'action de l'œuvre, le thème renvoie à la signification de l'œuvre. Parfois, cela est clairement indiqué dans le titre.

D'autres fois, il peut être déclaré au travers d'un dialogue par un personnage qui agit comme la voix du dramaturge. Parfois, le sujet est moins évident et ne se pose qu’après l’analyse du contenu de l’œuvre.

3- Caractères

Ce sont les personnes, les animaux ou les idées représentés par les acteurs du travail. En termes structurels, les personnages sont les agents d'action, qui fournissent les motivations pour que des événements se produisent dans l'intrigue.

Chaque personnage doit avoir sa propre personnalité, son âge, son apparence, ses croyances, son origine socio-économique et sa langue. En fonction de leurs fonctions dans le travail peuvent être décrits certains types de caractères:

Protagoniste : Le personnage principal.
Antagoniste : principal adversaire du protagoniste.
Contreparties : Révéler certains aspects du personnage principal en ayant des circonstances ou des comportements similaires ou différents.

4- Script ou texte

C'est le point de départ de la représentation théâtrale. C'est le texte par lequel la pièce est créée. Il consiste en un dialogue, des indications de scène, des descriptions de personnages et similaires dans une pièce de théâtre. Il fait référence aux mots écrits par le dramaturge et interprétés par les personnages.

5- genre

Classe distinctive de l'œuvre. Le sexe vient d'un mot français qui signifie "catégorie" ou "type". Le choix du genre reflète le point de vue de l'auteur sur le sujet.

Au théâtre, les types d'œuvres suivants sont généralement représentés: tragédie, comédie, mélodrame et tragicomédie. Chacun de ces genres peut être subdivisé par style et contenu dans:

Tragédie

C'est une imitation d'une action sérieuse, complexe et pertinente. La tragédie est grave par nature dans son sujet et traite de problèmes profonds. Ces problèmes profonds sont universels et suscitent la compassion et la peur du public en assistant à l'action.

Comédie

Il a pour vision de faire rire le public, il est généralement physique et énergique. Le comportement des personnages présentés est ridicule et parfois absurde. Cela stimule dans le public une correction du comportement de la société.

Mélodrame

C'est le drame de la catastrophe, des circonstances indépendantes de la volonté du protagoniste sont à l'origine des événements marquants du complot. Les aspects de la culpabilité et de la responsabilité du protagoniste sont éliminés.

Le protagoniste est victime de circonstances. Le mélodrame a le sens d'un jugement moral strict. Tous les sujets présentés sont résolus de manière bien définie. Les bons personnages sont récompensés et les mauvais sont punis.

Tragédie

C'est un reflet de la vie elle-même, il contient tous les genres précédents. Il n'a pas l'intention de juger, ni de juger de manière absolue. Il se concentre sur les relations de caractère et montre la société dans un état de flux continu.

6- Costumes et maquillage

Ce sont des éléments qui servent à caractériser les acteurs lors de la recréation d'un personnage.

Garde-robe

Il fait référence aux vêtements et accessoires utilisés sur scène par un acteur ou un interprète. Les Grecs de l'Antiquité ont été les pionniers dans le développement de costumes spécifiques à chaque personnage. Cet art a permis de faire revivre l'époque médiévale et représente de grands marquis de la cour.

Maquillage

C'est l'utilisation de produits cosmétiques dans la modification de l'apparence physique d'un acteur afin que son apparence s'adapte à un certain rôle ou pour compenser les effets de l'éclairage de paysage.

L'art du maquillage a été révolutionné par l'introduction de l'éclairage électrique et au gaz et est devenu une pratique hautement technique.

7- Effets lumineux et sonores

Le placement, l'intensité et la couleur des lumières, ainsi que les effets sonores, aident le réalisateur à communiquer l'atmosphère, l'ambiance ou les sensations d'une scène.

L'éclairage a été reconnu comme une caractéristique importante de la production théâtrale lors de la création de représentations à l'intérieur à la Renaissance, impliquant l'utilisation de bougies et de liquides inflammables.

Parmi les innovations cruciales en matière de technologie d'éclairage, citons l'introduction de lampes sur pied, l'utilisation de réflecteurs pour augmenter l'intensité des faisceaux lumineux et l'obscurcissement des lumières dans l'auditorium en 1876.

Le développement de l'éclairage au gaz au début du 19ème siècle représente un progrès important malgré les dangers encourus. L’utilisation de l’éclairage électrique a commencé au California Theatre de San Francisco en 1879.

Actuellement, les systèmes d'éclairage des théâtres modernes sont contrôlés par des tableaux informatisés extrêmement sophistiqués, capables de coordonner l'éclairage de tout un système. Parmi les autres innovations récentes, citons des expériences avec la lumière ultraviolette, les lasers et l'holographie.

Les effets sonores sont les bruits générés pour accompagner une scène dans une pièce de théâtre, qui peuvent être produits par des ordinateurs ou par des acteurs à l'intérieur et à l'extérieur de la scène.

8- directeur

C'est la personne responsable de l'unité totale de la production et de coordonner les efforts des artistes. Le travail du metteur en scène est essentiel à la production d’une pièce de théâtre, puisque c’est le metteur en scène qui définit la vision de la production pour toutes les personnes concernées.

Le réalisateur a la tâche ardue de rassembler de nombreuses pièces complexes d’une production: le scénario, les acteurs, les costumes, les éclairages, le son et la musique dans un tout unifié. Pour mener à bien cette tâche, un réalisateur doit:

Interprétez le script.
Collaborez avec les concepteurs.
Planifiez les essais.
Guidez les acteurs dans leur travail pendant les répétitions.

Le travail du réalisateur est souvent basé sur une étude et une analyse détaillées du scénario qui fait l'objet du montage. De nombreuses lectures attentives du scénario aident le réalisateur à développer une vision individuelle des intentions du dramaturge. Votre perception influencera tous les aspects de la production.

Les réalisateurs étudient également les personnages du scénario en recueillant le plus d'informations possible sur leurs caractéristiques physiques et psychologiques, ce qui est essentiel pour la sélection des acteurs.

9- Audience

Groupe de personnes qui voient le travail. De nombreux auteurs et acteurs considèrent que le public est l'élément le plus important du théâtre, car tous les efforts consacrés à l'écriture et à la production d'une pièce sont destinés au plaisir du public.

Parce qu'au théâtre les interprètes sont en présence directe du public, un flux d'énergie circulaire est généré, l'acteur affecte le public et inversement. Cet effet est amplifié par le fait que le théâtre est un événement commun.

L'expérience de groupe est indispensable, car le groupe renforce les émotions vécues par l'individu et crée une conscience collective. Lorsqu'un groupe d'individus réagit de la même manière que ce qui se passe sur la scène, leur relation avec les autres est réaffirmée et renforcée.

Le degré de séparation entre la distribution et le public est ce qui différencie le théâtre conventionnel du théâtre participatif.

Dans le premier cas, le public utilise son imagination pour participer au travail tout en se séparant de l'action. Dans le second cas, les acteurs interagissent avec le public en essayant de suivre un scénario établi et improvisé, en insistant sur le développement personnel ou la thérapie collective.

Au théâtre, le public est invité à accepter de nombreux types de mondes imaginaires. Une façon de différencier ces domaines imaginaires consiste à les diviser en ce qu'on appelle un théâtre réaliste et irréaliste.

Le réalisme, devenu la forme dominante du théâtre européen à la fin du XIXe siècle, tente de recréer la vie si étroitement que le public suppose qu'il doit s'agir de la vie. Le non-réalisme, au contraire, tente de transcender la réalité observée et de présenter la part de la vie qui existe dans l'esprit.

Cependant, c'est une erreur de supposer que ces deux approches s'excluent mutuellement. La plupart des représentations théâtrales contiennent un mélange d'éléments réalistes et irréalistes.

10- Scénographie

Il sert à recréer l'environnement dans lequel la parcelle est développée, l'ensemble a les objectifs suivants:

Donnez le ton et le style de la production.
Définissez l'heure et le lieu.
Distinguer le réalisme du non-réalisme.
Coordonnez le paysage avec d'autres éléments.
Traiter avec les limites de l'espace de la scène et de la zone hors scène.

Tous ces objectifs sont abordés lors de multiples réunions entre le directeur, le scénographe et l'équipe de conception. Les idées sont ensuite reflétées dans des croquis qui, après révisions, analyses et modifications, permettent de concevoir la scénographie qui s'adapte le mieux à l'histoire et à la vision des créatifs.

Une fois cette étape terminée, les conceptions sont livrées à un directeur technique, qui effectue les constructions, ajustements et installations nécessaires dans le scénario en vue de la matérialisation du projet.

11- Scénario

Ce sont des équipements théâtraux, tels que des rideaux, des sols, des décors ou des plates-formes, utilisés dans une production dramatique.

12- Appareil

Il existe différentes catégories d'accessoires. Une grande partie des accessoires proviennent du script et sont des éléments requis par le réalisateur. Le scénographe demande également généralement des accessoires tels que le mobilier qui apparaît sur la scène. Parfois, la ligne de démarcation est mince entre ce type d’objets et la scénographie.

L'accessoire est tout élément mobile apparaissant lors d'une performance, à l'exception des costumes et de la scène. Ce sont des articles manipulés par un ou plusieurs acteurs. Un livre, une arme à feu, un verre de vin, entre autres.

13- Actes

Ils représentent une division importante dans le développement du travail théâtral. La plupart des pièces de l'époque élisabéthaine jusqu'au 19ème siècle ont été divisées en cinq actes par des dramaturges ou des éditeurs ultérieurs.

À la fin du XIXe siècle, de nombreux écrivains ont commencé à écrire des œuvres de quatre actes. De nos jours, un, deux et trois actes sont les jeux les plus courants.

14- Théâtres (Bâtiment)

C'est l'espace dans lequel acteurs ou publics se rencontrent. Il est essentiel de disposer d’un espace où l’artiste ou l’interprète communique avec un public vivant.

Les bâtiments théâtraux ont évolué des amphithéâtres à ciel ouvert des Grecs et des Romains à l'incroyable variété de formes que nous voyons aujourd'hui. C'est un espace qui favorise les échanges émotionnels entre les acteurs et le public.

15- Convention

Une convention théâtrale est un outil pratique utilisé par le dramaturge ou le metteur en scène pour aider à raconter l'histoire de la pièce au théâtre. La convention théâtrale la plus courante est celle où les personnages se parlent et prétendent ne pas remarquer le public.

Souvent appelée convention du quatrième mur ou du quatrième écran, on simule l'existence d'une division (invisible) entre les acteurs et le public.

Origines et évolution historique du théâtre

Quand le théâtre a commencé est exactement un mystère. Les chasseurs préhistoriques représentaient des histoires sur leurs expéditions de chasse. Les anciens Égyptiens ont chanté des chansons sacrées et dansé pour leurs dieux lors de cérémonies religieuses. Mais l'idée du théâtre en tant que divertissement dramatique est venue plus tard.

On sait que les mots anglais pour tragédie et comédie viennent du langage des Grecs anciens. Bien que les Grecs n'aient pas été les premiers à jouer des pièces de théâtre, ils étaient très intéressés par les origines de la tragédie et de la comédie.

Dans ses écrits, le philosophe Aristote et d'autres écrivains grecs ont proposé des théories et créé des hypothèses sur le développement de la forme de l'art théâtral.

Les œuvres grecques ont été jouées dans les théâtres en plein air. Au début, les théâtres se trouvaient dans des zones ouvertes situées au centre de la ville ou à côté de collines. Le public était prêt à écouter et à regarder la chorale chanter les aventures d’un dieu ou d’un héros.

Vers la fin du 6ème siècle a. C., les structures théâtrales sont devenues plus élaborées. À mesure que le théâtre devenait de plus en plus populaire et concurrentiel entre les villes, il devenait de plus en plus grand avec des structures pouvant accueillir jusqu'à 15 000 personnes à la fois.

Le théâtre existe depuis que les gens se sont rencontrés pour la première fois et ont entendu quelqu'un raconter une histoire. Amis et famille ont partagé les responsabilités du public et de l'interprète, échangeant des rôles tant que quelqu'un avait une histoire à partager.

Le théâtre moderne peut être plus formel, avec des acteurs formés pour recréer une histoire et des spectateurs sophistiqués qui réagissent à une mise en scène, mais l'idée de partager des énergies entre le casting et un public vivant reste invariante.