Oswaldo Guayasamín: biographie et travaux
Oswaldo Guayasamín (1919-1999) est l’un des artistes les plus importants d’Amérique latine. Ses œuvres ont été exposées dans les plus grandes salles du monde. Son art a un sens profondément indigène avec une position idéologique et picturale caractéristique du continent américain: le réalisme social.
Né à Quito et formé aux canons de l'art traditionnel, Guayasamin a rompu avec ces stratagèmes pour saisir la réalité des peuples autochtones d'Amérique latine victimes d'oppression, des ravages causés par la colonie et du métissage.
Dans le style expressionniste, les muralistes mexicains ont nourri les créations de cet artiste équatorien en termes d'expressivité, d'utilisation de la couleur et de la force qu'elles transmettent, pour laisser à l'observateur le sentiment de l'énergie vitale de l'auteur et faire connaître sa protestation.
En plus de cette essence indigéniste, son travail se caractérise également par l’appropriation de tendances avant-gardistes telles que le cubisme et l’expressionnisme, sans perdre le réalisme de montrer une réalité de la violence qu’il a dénoncée.
Il a réalisé des expositions impressionnantes - plus de 200 personnes - dans les plus grands musées du monde, tels que la France, l'Espagne, l'ancienne Union soviétique, la Tchécoslovaquie, la Pologne, le Mexique, le Chili et l'Argentine.
Guayasamín est également connu pour se faire des amis avec des personnages de classe mondiale, tels que le poète Pablo Neruda, Fidel Castro, Gabriela Mistral, le roi Juan Carlos d'Espagne, Gabriel García Márquez et Carolina de Mónaco, entre autres, qu'il a représentés.
En 1991, le gouvernement équatorien a reconnu le travail prolifique de l'artiste et sa contribution à l'art mondial. Il a donc décidé de créer la Fondation Guayasamín, à laquelle le peintre a fait don de l'ensemble de ses créations et de ses collections d'art.
Biographie
Oswaldo Guayasamin est né à Quito le 6 juillet 1919 et était le frère aîné d'une famille de dix personnes. Son père, José Miguel Guayasamin, était un indigène de la tribu quechua; tandis que sa mère, qui répondait au nom de Dolores Calero, était métisse.
Dès son plus jeune âge, il a montré son amour pour la peinture en réalisant des dessins de ses camarades de classe et en réalisant les affiches du magasin géré par sa mère. En outre, il a peint des tableaux sur des morceaux de carton qu'il a vendus à des touristes afin de payer ses études.
Malgré la ferme opposition de son père, le jeune Guayasamín s'inscrit à l'École des beaux-arts de l'Équateur, dont il est diplômé en 1941 en tant que peintre et sculpteur. Il est également reconnu comme le meilleur élève de sa promotion.
À peine un an après avoir obtenu son diplôme, il a réussi à faire sa première exposition dans la capitale équatorienne. Ce spectacle a été marqué par son caractère de dénonciation sociale, raison pour laquelle il a provoqué une grande commotion entre les assistants et le critique de l'époque.
Avec ce style particulier, le jeune Guayasamin a réussi à captiver Nelson Rockefeller, qui lui a acheté plusieurs tableaux et l’a soutenu dans son avenir.
Internationalisation
Après cette exposition controversée et avec le soutien de Rockefeller, Guayasamin s'est installé aux États-Unis, où il a également exposé ses peintures. Au cours des 7 mois de son séjour, il a visité tous les musées où il a pu entrer en contact direct avec les travaux du Greco, Goya, Velásquez et ceux des muralistes mexicains Diego Rivera et Orozco.
Avec l'argent qu'il a réussi à gagner, il s'est rendu au Mexique pour rencontrer un excellent professeur, le muraliste Orozco, touché par son talent, lui a permis d'être son assistant. Lors de cette visite, il a également rencontré Diego Rivera et tous deux ont appris la technique de la peinture sur fresque. Au Mexique, il se lie d'amitié avec Pablo Neruda.
En 1945, il entreprit un voyage mémorable: du Mexique à la Patagonie. Au cours de ce voyage, il a visité chaque ville et chaque ville pour prendre des notes et des dessins de sa première série de 103 peintures intitulée Huacayñan, qui signifie en quechua "Le chemin des larmes" et dont le thème est le noir, l'indien et le métis. .
Ainsi, tous ses travaux ont commencé à s’articuler autour du thème de l’indigénisme, celui de l’oppression et de la violence dont sont victimes les peuples autochtones.
Le travail monumental Le chemin des larmes a été fait grâce au soutien fourni par Guayasamín la Maison de la Culture.
Cette série a été exposée pour la première fois à Quito en 1952 au Museum of Colonial Art, puis la même année à Washington et à Barcelone (Espagne) lors de la IIIe biennale d'art hispano-américaine. Lors de cette dernière manifestation, il a reçu le grand prix de peinture.
Présence dans de grands bâtiments
En plus d'avoir des expositions monumentales dans les principaux musées du monde, le travail de Guayasamín est également présent dans les grands bâtiments.
Par exemple, une fresque murale en mosaïque de verre vénitienne est exposée au centre Simón Bolívar de Caracas depuis 1954, connu sous le nom de Tribute to American Man .
Pour son pays d'origine, il a réalisé deux impressionnantes peintures murales en 1958. La première est La découverte du fleuve Amazone, également réalisée en mosaïque vénitienne, qui se trouve au palais du gouvernement de Quito. L'autre a été faite pour la faculté de droit de l'Université centrale de l'Équateur, appelée Histoire de l'homme et de la culture .
En 1982, l'aéroport de Barajas de Madrid inaugura une peinture murale de plus de 120 mètres peinte à la poussière de marbre et à l'acrylique par Guayasamín. Cette œuvre monumentale comporte deux parties: l’une consacrée à l’Espagne et l’autre à l’Amérique.
Son travail est également présent au siège de l'Unesco à Paris et à Sao Paulo. Ses monuments embellissent également l’Équateur: la jeune patrie se trouve à Guayaquil et la résistance à Quito.
Principales reconnaissances et mort
Grâce à son travail prolifique, son caractère de dénonciation sociale et sa transcendance universelle, Guayasamin a reçu de nombreux prix et distinctions pour sa carrière.
Son travail a été reconnu dans le monde entier, ce qui lui a valu en 1957 le prix du meilleur peintre d'Amérique du Sud, attribué à la Biennale de Sao Paulo, au Brésil. Cela a marqué la consolidation de son internationalisation.
En 1976, il crée avec ses enfants la Fondation Guayasamín afin de faire don de son patrimoine artistique à l'Équateur. Grâce à cette fondation, il a pu organiser trois musées: Art précolombien, Art de Cologne et Art contemporain.
Il a été nommé membre de l'Académie royale des beaux-arts de San Fernando en Espagne et membre honoraire de l'Académie des arts d'Italie. Il a également été nommé vice-président puis président de la Maison de la culture de Quito en 1973.
En outre, il fut le premier artiste latino-américain à recevoir une décoration du gouvernement français; cela s'est passé en 1974.
Il est décédé le 10 mars 1999 sans avoir achevé sa plus grande œuvre, La capilla del hombre, conçue par l'artiste comme un hommage à l'humanité, en particulier au peuple latino-américain. C'est un musée d'art construit à Quito qui vise à rassembler l'art latino-américain du Mexique à la Patagonie.
Travaux
La production de Guayasamín se caractérise depuis ses débuts par son profond esprit indigéniste, et elle est chargée d’un haut contenu de dénonciation sociale. Il a ainsi pu franchir les frontières des canons traditionnels et devenir l'un des plus fervents défenseurs des peuples autochtones d'Amérique latine.
Pour développer son style personnel, il a bu de l'influence des muralistes mexicains, en particulier de son maître Orozco. Il était également un fervent exposant de l’expressionnisme, qui donnait à toute sa création une coupe humaniste reflétant la douleur et les souffrances endurées par une grande partie de l’humanité.
C’est ainsi que l’œuvre de Guayasamín s’inscrit dans ce courant d’expressionnisme dans lequel la réalité expressive importe le plus sans tenir compte de la réalité extérieure, mais plutôt des émotions qu’elle suscite chez l’observateur.
Pour cela, ce peintre a affirmé que "ma peinture est de blesser, de gratter et de frapper les cœurs. Montrer ce que l'homme fait contre l'homme. " Cela est particulièrement évident dans leurs visages défigurés et tristes qui transmettent avec force la douleur de leur peuple.
En ce sens, son travail est centré sur la figure humaine, avec des couleurs vives et des thèmes sociaux.
Malgré l’adaptation de son travail aux expériences et aux techniques laissées par le pinceau avec les grands artistes de son époque, il a toujours maintenu l’expression du sentiment humain dans ses toiles. C'est toute sa création que vous pouvez différencier en trois âges, qui sont les suivants:
Le chemin des pleurs
La Fondation Guayasamin a réussi à rassembler certaines des premières créations de l'artiste, qu'il a commencé à peindre et à dessiner à l'âge de 7 ans. Quand il est entré à l'âge de 12 ans à l'École des beaux-arts, il a captivé les professeurs et les camarades de classe avec sa virtuosité. À cet âge, il a commencé à travailler sur la question sociale qui a ensuite marqué toute sa carrière.
Ce qui est considéré comme sa première étape est ce qu'on appelle sa première série: Le chemin des pleurs.
Cette étape se déroule entre 1945 et 1952 et se concentre principalement dans le voyage qu’il a fait avec ses amis à travers l’Amérique du Sud, où il s’est arrêté pour visiter chaque ville afin d’appréhender sa réalité.
Grâce aux notes et aux dessins qu'il a réalisés pendant le voyage, il a légué au monde de Huacayñan, ou El camino del llanto, sa première série de 103 peintures dans laquelle il décrit le problème des Indiens, des Noirs et des Métis à travers des archétypes universels apparaissant sur scène. avec des symboles ancestraux, tels que la lune, le soleil et les montagnes.
Avec toute sa charge symbolique universelle, cette série fut celle qui lui donna une place dans le monde des arts.
L'âge de la colère
À ce stade qu'il a développé au cours des années 1960, Guayasamin a démontré que le contenu esthétique n'était pas ce qui était important dans son travail, mais le contenu social, le message d'un homme contre l'oppression, la violence et la souffrance.
L'origine de cette dénonciation remonte à l'époque où, dans sa jeunesse, un ami d'enfance avait été tué par la répression à Quito. À partir de là, l’artiste a commencé la croisade pour dépeindre la violence entre hommes afin de laisser un message de rébellion et de lutter contre l’aliénation.
Cette rébellion est évidente aux yeux de ses personnages, qui réclament un changement. Ses personnages ont une grimace de douleur malgré la sérénité dont ils font preuve, leurs mains pleurent d'espoir. Tout cela se traduit par d'énormes coups verticaux pour marquer plus de douleur.
Avec ce travail, Guayasamín a bouleversé le monde en soulignant toute la cruauté de l'homme au cours du XXe siècle. Pour cette raison, il réussit à exposer dans les principales villes occidentales du monde, provoquant des remous dans les critiques et dans la communauté.
De la tendresse
Ce cycle a débuté dans les années quatre-vingt en hommage à sa mère, figure transcendante de sa vie, à qui il a déclaré son amour et sa reconnaissance pour l'avoir toujours soutenu.
Cette série marque un changement dans le travail de l'artiste sans que cela signifie que les personnages, maintenant plus sereins qu'avant, ont perdu dans une certaine mesure leur message de dénonciation et de critique.
L'âge de la tendresse, ou aussi longtemps que je vis, je me souviens toujours de vous, est composé de 100 œuvres dont le centre est un hommage à sa mère; en fait, il s'agit en général de la figure mère, y compris la Terre nourricière.
Cet ensemble est également considéré comme une chanson sur les droits de l'homme. C'est le dernier travail qui l'occupa, de 1988 à 1999.
En raison de son style esthétique particulier, mais surtout de son thème centré sur le message de rébellion et de dénonciation de l'humanité, Guayasamín a réussi, avec son art, à franchir les frontières de son équateur natal et à occuper une place d'honneur dans les arts universels.
Cela était dû au fait que sa création avait une expressivité particulière du temps qu'il avait à vivre pour transmettre un message qui éveillerait la conscience de l'humanité et parviendrait à générer le cri de la rébellion.
