Baroque: histoire, caractéristiques et art (architecture, peinture, sculpture ...)

Le baroque était un mouvement artistique et intellectuel du XVIIe siècle qui symbolisait un changement radical dans les formes du savoir humain. Cela impliquait une distanciation des idées de la Renaissance et renvoyait à la nuance religieuse des années médiévales; C'est ce qu'il a fait de son propre point de vue, puisqu'il a ajouté des éléments qui anticipaient l'arrivée de la modernité.

Comprendre le baroque en tant qu'épistémée de toute une époque a été une tâche complexe pour les chercheurs et les historiens, car ce concept a toujours été rempli d'inexactitudes et de malentendus. Cependant, la littérature sur le baroque grandit au fil des ans, ce qui permet d’éradiquer les anciennes approches équivoques.

Le mouvement baroque était si massif qu'il étendait ses domaines au-delà des arts plastiques, car ses préceptes et ses idéaux se retrouvent dans le domaine littéraire et musical; par exemple, certains considèrent que Tasso était un poète baroque et il est affirmé que Bach est le personnage le plus représentatif et le plus influent de la musique baroque.

De même, l'un des aspects qui caractérisait le baroque en tant que mouvement artistique était qu'il résultait et exprimait une profonde crise spirituelle et morale déclenchée par la décomposition des valeurs de la Renaissance.

Au XVIIe siècle déjà, la vision du monde de l'homme de la Renaissance s'était irrémédiablement étendue. Le baroque signifiait donc une recherche pour retrouver cette synthèse et cette vision du monde auparavant perdues, mais à travers une ferveur religieuse exagérée et profonde. cela laisse entrevoir le vide existentiel de toute une époque.

En dépit de la rupture avec les idéaux de la Renaissance et du manque de totalité, le baroque était une forme de connaissance particulière dans la mesure où il permettait l'introduction d'une merveilleuse nouveauté; ce mouvement symbolisait une croissance, la propagation d'une série de forces artistiques qui pratiquaient l'abondance, l'excès et l'extraordinaire.

L'importance du baroque était d'une telle ampleur qu'il existe encore aujourd'hui des poètes, des peintres et d'autres artistes qui tentent de copier et de capturer ce style qui a complètement marqué non seulement une certaine époque, mais plusieurs générations appartenant à des périodes plus récentes très différent artistique

Origine et histoire

Étymologie

L'étymologie du mot "baroque" est apparue à d'innombrables théories: certains prétendent qu'il vient du nom de famille du peintre Federico Barocci , mais défend également l'hypothèse selon laquelle cette définition proviendrait du mot barocchio, qui signifie en italien fraude et usure.

L'une des hypothèses les plus courantes est que le mot "baroque" vient du mot baroco, utilisé dans la logique scolastique pour désigner un syllogisme dont la prémisse majeure est affirmative et universelle, tandis que le mineur est particulier et négatif.

Cela signifie que, dans cette hypothèse, le mot baroco "fait référence à l'universel et au bien (imprégné d'une forte nuance religieuse). Cette perspective a été défendue par des spécialistes notables tels que Carlo Calcaterra et Benedetto Croce.

De même, le mot baroco a acquis un terme péjoratif inventé par les secteurs humanistes de la Renaissance, qui méprisaient la logique scolastique en faisant valoir que leurs raisonnements étaient absurdes et ridicules. Par conséquent, un argument au baroco signifiait une idée fausse ou tortueuse.

Plus tard, cette expression a été transférée au monde des arts pour désigner un nouveau style ridicule et faux aux yeux des humanistes conventionnels.

La perle irrégulière

L’hypothèse précédente - bien que bien défendue et argumentée - ne pouvait s’appliquer qu’à certaines régions d’Italie, car elle ne correspondait pas à d’autres régions européennes telles que la France, l’Espagne et le Portugal; par conséquent, il a été découvert que le terme "baroque" venait du portugais et non du portugais, une langue dans laquelle il était utilisé pour désigner une perle de forme irrégulière.

On pense que "baroque" vient du latin verruca, terme utilisé pour définir une petite élévation d'un terrain. Il était également associé à des pierres précieuses. De même, on sait que lors de son expansion maritime, les Portugais se sont consacrés au commerce des perles dans tout l'océan Indien.

Au cours de l'extraction des perles près de Barokia, dans la ville de Guzarate, les Portugais se sont rendu compte qu'il y avait une abondance de spécimens de forme irrégulière; par conséquent, un terme péjoratif a été créé pour désigner ces perles provenant de cet endroit.

C'est ainsi que le terme "baroque", déjà existant en portugais, a été utilisé pour désigner ces perles irrégulières et impures.

Introduction du terme dans les arts

Au milieu du dix-huitième siècle, le terme "baroque" a commencé à être utilisé par les grands penseurs des Lumières.

Par exemple, Rousseau a introduit le terme dans sa Lettre sur la musique française, où il qualifiait la musique italienne de ce nom. Pour sa part, Charles de Brosses a utilisé le terme "baroque" pour désigner des objets en or et en argent, tels que des boîtes ou des coffres.

Au moment de transférer le terme d'architecture, il était utilisé pour désigner les formes extravagantes et ridicules. Par conséquent, l'architecture baroque était considérée comme un art dépourvu de valeur, condamnée par sa séparation avec l'idéal classique de régularité et d'équilibre.

Cette définition, bien que revêtant un caractère fortement dérogatoire, a permis d'ouvrir la voie à la notion de "baroque" pour faire référence à tout un style artistique développé principalement au XVIIe siècle.

À partir du XIXe siècle, le baroque fut sauvé pour sa beauté mal comprise et son importance pour les différentes périodes de l'art occidental.

Caractéristiques du baroque

En 1915, le critique d'art suisse Enrique Wölfflin a publié un texte intitulé Principes fondamentaux de l'histoire de l'art, qui est fondamental pour comprendre le baroque en tant que mouvement artistique et philosophique.

Dans cet ouvrage, Wölfflin affirmait que le baroque était né comme un style développé à partir du classicisme de la Renaissance. néanmoins, il s'en éloigne pour suivre son propre courant. Ainsi, suite aux transformations entre un mouvement artistique et l’autre, les caractéristiques suivantes peuvent être établies:

Passer du linéaire au pictural

À l'époque de la Renaissance, régnait dans les Beaux-Arts le caractère linéaire, celui-ci délimité de manière vigoureuse aux objets aussi bien dans un plan pictural que sculptural ou architectonique. Cela donnait à ce mouvement stylistique une qualité tactile dans les contours et les plans

Au contraire, le baroque se caractérisait par la négligence des lignes en tant qu'élément délimitant des objets.

Par conséquent, ce mouvement a conduit à la confusion des choses; le spectateur doit renoncer à l'expérience tactile, car ce style fait appel à la valeur de la couleur plutôt qu'à d'autres aspects.

Étape de la vision de surface à la vision en profondeur

Pendant la période de la Renaissance, selon la valeur attribuée à la ligne, les éléments d’une composition superposée à une surface étaient disponibles. Dans l’art baroque, en négligeant les contours et la ligne, la surface était également méprisée.

Cela signifie que les éléments ont été régis par une optique de profondeur. Pour cette raison, il est courant d'observer (sur le plan pictural) des figures humaines qui n'ont pas de fond naturel, car autour d'elles se trouve une grande masse sombre.

Passage du formulaire fermé au formulaire ouvert

A la Renaissance, le travail artistique misait sur un ensemble fermé parfaitement clôturé. Au contraire, le baroque cherchait à "assouplir les règles" et prenait ses distances par rapport aux rigueurs constructives.

En outre, le baroque se caractérisait par l’opposition à la délimitation de l’ensemble, s’éloignant de la symétrie rigoureuse des formes: il introduisait des tensions de composition. Ce mouvement artistique a fait appel à l'instabilité du travail.

Pas de la multiplicité à l'unité

À la Renaissance, chacune des parties avait sa propre valeur, se coordonnant sur le plan artistique. Dans l'art baroque, l'unité était considérée depuis le confluent des parties dans un seul motif, totalement subordonnée aux différentes parties de l'élément principal.

Autrement dit, dans le baroque, il existe une figure principale sur laquelle repose le reste des objets.

Passez d'une clarté absolue à une clarté relative des objets

Auparavant, les objets - suivant leur caractère linéaire dans la représentation - possédaient une qualité plastique qui clarifiait la composition.

Dans les lignes directrices du baroque, la lumière et la couleur ne confèrent pas de définition aux formes ni ne mettent en valeur les éléments les plus importants. En conclusion, dans le baroque, la lumière et les couleurs ont leur propre vie et ne sont pas à la merci des personnages.

C'est un art exagéré

Les artistes baroques ont joué avec le déséquilibre et ont essayé d'impressionner ceux qui regardaient avec des formes gimmicky et dynamiques. La distorsion des formes classiques, les contrastes de lumières et d'ombres le distinguent.

Le baroque était un mouvement opposé à l'art de la Renaissance et au classicisme. Son caractère exagéré se reflète dans son architecture aux ornements excessifs. Par exemple, la basilique Saint-Pierre de Rome conçue par Gian Lorenzo Bernini.

Art de type syncrétique

Les expressions culturelles baroques étaient syncrétiques, en ce sens que chaque expression artistique était liée aux autres.

L'architecture était étroitement liée à la peinture et à la sculpture. Aussi la musique, la danse et le théâtre, dont la convergence a créé l'opéra. À d'autres époques, les caractéristiques de chaque type d'art étaient plus indépendantes les unes des autres.

Fin de propagande

L'absolutisme, l'Église et la bourgeoisie ont utilisé l'art baroque pour promouvoir leurs idées. En réponse, les artistes baroques ont été divisés en deux catégories: ceux qui travaillaient pour l'église ou pour un monarque et ceux qui souhaitaient être indépendants.

En conséquence, les sujets traités par chaque artiste étaient différents. L'Eglise, pour sa part, voulait promouvoir sa doctrine et montrer que la contre-réforme portait ses fruits et que l'Eglise catholique n'avait pas été vaincue.

Dans cette ligne, les monarques ont voulu démontrer que leur pouvoir était absolu. Grâce à eux, la peinture a été développée, en particulier le genre portrait.

Enfin, il y avait les artistes indépendants, qui vivaient principalement aux Pays-Bas et en Allemagne. Ses œuvres montrent le quotidien de la bourgeoisie. Par exemple, des œuvres de Johannes Vermeer en tant que Fille lisant une lettre ou La fille à la perle .

Grâce à la "politique culturelle" de ces groupes au pouvoir, l'ère baroque connut un essor considérable du favoritisme ecclésiastique, monarchique et aristocratique. L'art est devenu populaire et de nombreuses écoles d'art ont été créées, telles que l'Académie Royale d'Art à Paris en 1648 et l'Akademie der Künste à Berlin en 1696.

Le ténébrisme

C'est le contraste des lumières et des ombres grâce à la lumière. Bien que ce concept s’applique principalement à la peinture baroque, on peut dire que le théâtre baroque, la sculpture et d’autres genres de représentations visuelles ont été influencés par ce jeu d’éclairage.

Les difficultés des six préceptes de Wölfflin

Bien que les caractéristiques de Wölfflin soient considérées comme obligatoires pour comprendre le passage d'un mouvement artistique à un autre, certains critiques estiment que cet auteur présentait plusieurs défauts, car il ne tenait pas compte des facteurs culturels, spirituels et sociologiques qui ont influencé le changement épistémologique. .

En outre, Wölfflin n'a pas tenu compte du fait qu'entre la Renaissance et le baroque, il y avait un autre mouvement qui s'appelle maintenant le maniérisme; En tant que période de transition, il partage de nombreuses caractéristiques du baroque le plus primitif.

Le baroque était si important dans son contexte historique qu'il s'est répandu non seulement dans les arts mais aussi dans d'autres disciplines telles que la philosophie, la psychologie, la politique et même la physique et les mathématiques.

Oswald Spengler était responsable de l'extension de ce concept car, dans son célèbre ouvrage, La décadence de l'Ouest a évoqué l'existence d'une époque baroque.

À partir de 1915, les spécialistes de l'art ont commencé à s'interroger sur l'idée que le baroque puisse être une constante de l'histoire de l'humanité et des styles artistiques.

Cette prémisse est née du fait que, bien que le baroque ait été développé au XVIIe siècle, son esthétique reste présente à ce jour, de nombreux grands artistes ayant profité des idéaux de cette époque pour adopter des manifestations plus modernes.

Pour cette raison, une série de livres appliquant la littérature baroque se trouve au XXIIe siècle.

Éléments fondamentaux pour comprendre le baroque

En tenant compte des préceptes de Wölfflin et des informations présentées précédemment, il est possible d'extraire quelques points fondamentaux pour comprendre de manière plus complète les éléments qui constituent le baroque. Ils sont les suivants:

L'importance du religieux, de l'extravagant et du grotesque

Le baroque (ancien et actuel) présente une série de tensions qui éclatent avec les paramètres classiques de symétrie et de proportion.

En outre, il est enclin à dépeindre des scènes sanglantes et cruelles, qui regorgent de caractéristiques d'horribles et de lugubres. Grâce à cela, de nombreux spécialistes ont associé le baroque au préromantique et au romantisme.

À travers le thème religieux, le baroque tend à exprimer des antinomies entre la chair et l’esprit, des plaisirs matériels et des joies célestes. En outre, il est enclin à l’analyse des péchés et du repentir, ainsi qu’à l’extase et à la béatitude logées chez certains hommes.

L'élément religieux est crucial pour comprendre le baroque; En fait, pour certains critiques, la religion est une composante angulaire de l'expression baroque.

Inclination vers les plaisirs mondains et la fureur incontrôlée

L'homme, en tant que figure de ce mouvement, se laisse emporter par des forces contenues; Le baroque fait appel à la passion, au mouvement et à l'impulsion dans différentes directions. Le baroque tente de se lancer dans la quête de la foi; Cependant, il ne peut pas se détacher des appétits terrestres.

Au sein de cette manifestation artistique, spiritualisme et sensualisme sont constamment confondus, car il existe une convulsion entre les deux positions qui entraîne des figures exagérées et des éléments décoratifs très chargés.

Dans l'art baroque, les valeurs érotiques et sensorielles sont très importantes: le monde est apprécié à travers les sens, les couleurs et les sons, tous axés sur la volupté et l'abondance.

Il soulève une laïcisation du transcendant, il intègre donc une question sur le caractère transitoire de la vie et des choses banales. Il vise à rappeler à l'homme que tout est vain, éphémère et transitoire, en essayant d'atteindre une réalité exempte d'imperfections et de mensonges.

Art du Baroque

-Architecture

Caractéristiques

L’architecture baroque se caractérisait principalement par son remarquable rejet de la simplicité; Au contraire de la Renaissance, le baroque ne cherchait pas l'harmonie calculée et établie, mais le déséquilibre, le mouvement et l'excès. En conséquence, les architectes ont placé des plantes ovales et elliptiques, dérivées de lignes géométriques.

De même, ils ont abandonné les lignes droites et les surfaces planes, qu’ils ont remplacées par des lignes très courbes et des surfaces ondulées.

Cela a permis l'entrée du mouvement dans le monde artistique, également visible dans les disciplines de la sculpture et de la peinture. En architecture, non seulement le rez-de-chaussée a été ondulé, mais également toutes les façades et les intérieurs.

Mouvement, lumière et ombre, effet théâtral

L'idée du mouvement a également été renforcée par d'autres éléments tels que les frontons fendus, les colonnes salomoniques et l'ovale. La lumière était également fondamentale dans l'architecture baroque, car elle permettait de créer des effets de clair-obscur et de mouvement, comme on peut le voir également dans le tableau.

Pour jouer avec la lumière, l’architecte a créé des surfaces discontinues avec des entrées profondes éclairées par le soleil, tandis que l’autre côté restait dans l’ombre, favorisant l’effet du clair-obscur et du contraste.

À son tour, l'architecture baroque a enrichi et compliqué tous les éléments traditionnels tels que les arches et les corniches, entre autres. Le but était d'obtenir un effet théâtral et spectaculaire, de sorte que l'élément décoratif masque la véritable structure du bâtiment.

Œuvres en vedette

L'église du II Gesú de Rome

L'un des premiers exemples d'architecture baroque émerge avec cette église, qui symbolise la fin de la Renaissance et le début du baroque. Certaines des caractéristiques de la façade de ce bâtiment ont été reprises par d’autres endroits tels que l’Espagne et même l’Amérique latine; pour cette raison, c'est l'un des bâtiments les plus importants.

Dans cette période initiale, il s'agit toujours d'un baroque reposé, de sorte qu'il ne joue pas de manière excessive avec les courbes et les courbes. Cependant, Il Gesú a quelques entrées et points saillants sur sa façade qui annoncent la prochaine étape de ce mouvement.

La basilique de San Pedro: l'oeuvre de Gianlorenzo Bernini

La basilique de San Pedro, commencée par Michel-Ange, présente plusieurs traits de la Renaissance, comme dans sa basilique. Cependant, Gianlorenzo Bernini a été embauché pour compléter la décoration de ce bâtiment.

Parmi les détails faits par Bernini, le plus courant est le baldaquin situé à l'intérieur de cette basilique, qui est un exemple précis des éléments du baroque: il est constitué de beaucoup d'or, de mouvement et d'un horrible vacui, car il n'y a pas un seul espace de Cet objet manque d'ornements et de détails.

Le baldaquin a une série de formes obliques et quatre colonnes de Solomonic, qui donne la sensation de mouvement et d'extravagance. Les formes géométriques et les éléments naturels font également partie de cette composition architecturale.

-Pintura

Caractéristiques

Quant à la peinture baroque, elle conserve les mêmes caractéristiques d’architecture et de sculpture, telles que le clair-obscur, le déséquilibre, le mouvement, la ferveur religieuse, la sensualité et des schémas compliqués.

La peinture baroque fait appel au naturalisme pour que les choses soient représentées comme appréciées par l'artiste, qu'elles soient belles, laides, agréables ou déplaisantes.

Par exemple, vous pouvez trouver des scènes de la belle Madeleine (comme Magdalena penitente de Murillo), mais vous pouvez également voir des portraits grotesques (comme la leçon d'anatomie de Rembrandt).

La peinture baroque se distingue également par son abondante représentation de paysages, de natures mortes et de natures mortes, où la couleur prédomine par rapport à tout autre élément. En outre, les artistes baroques misent (et misent) sur la grandeur, car ce sont de grandes toiles pouvant mesurer jusqu'à trois mètres de large.

Cependant, la lumière est le protagoniste principal des peintures baroques. À la Renaissance, la lumière était subordonnée aux formes, soulignant ses contours; dans le baroque, la forme est celle qui est subordonnée à la lumière. Cela a donné lieu à l'un des courants les plus frappants du baroque, à l'instar du ténébrisme.

Œuvres en vedette

Le ténébrisme du Caravage

Le ténébrisme constituait toute la première phase de la peinture baroque et consistait en un contraste violent de nuances et de lumières. Le pionnier de cette technique était Caravaggio, contemporain du groupe El Greco, bien que leurs styles soient très différents.

L'une de ses œuvres les plus importantes, où vous pouvez percevoir le ténébrisme dans sa plus pure expression, s'appelle la crucifixion de San Pedro . Dans ce tableau, la lumière s'empare du torse nu de saint Pierre sur le point d'être crucifié à l'envers.

Le fond du tableau n'est pas délimité, puisqu’une grande masse noire s’empare du dernier plan. Les personnages les plus éloignés de San Pedro sont plus sombres, tandis que les plus proches portent des couleurs plus vives et reçoivent un meilleur éclairage.

Rembrandt en tant que représentant maximum de la peinture baroque hollandaise

À ses débuts, Rembrandt se distinguait principalement par ses clairs-obscurs et ses peintures colorées, influencés par le style caravaggista.

Ses compositions sont très émouvantes. Cependant, contrairement aux peintures de Caravaggio, ses coups de pinceau sont doux et les personnages sont dilués dans l'atmosphère, ce qui favorise le développement de scènes fantastiques et mystérieuses.

Cela se remarque de manière notoire dans le célèbre tableau intitulé The Night Watch, où la lumière repose principalement sur deux des personnages vêtus de jaune; Bien entendu, les autres personnages qui composent la photo utilisent des vêtements sombres de tons rougeâtres.

Le personnage le plus frappant est celui d'une petite fille qui, en raison de la forte lumière qu'elle reçoit, semble être une entité angélique. Son visage, pur et beau, se dilue entre tant de luminosité.

Pour sa part, le personnage central reçoit de forts contrastes picturaux du fait de son vêtement complètement noir qui met en valeur une bande rouge qui appuie sur sa poitrine.

Velázquez: l'un des peintres les plus importants de tous les temps

Pour de nombreux critiques, Velázquez est peut-être le peintre le plus important de l'histoire de l'art. Cette appréciation est due au fait que ce peintre espagnol a créé une nouvelle façon d’apprécier la peinture grâce à son jeu de miroirs et à sa supercherie picturale.

Bien que son travail soit très grossier et vraiment notoire, son tableau le plus célèbre est Las Meninas (dont le nom original est La famille de Felipe IV). Dans ce travail, vous pouvez voir comment l'auteur a travaillé dans une perspective mature reposant sur le clair-obscur et les contrastes.

Dans le tableau, il y a deux entrées de lumière: une qui couvre la petite princesse Margarita et ses ménines et une autre qui montre par la porte arrière, où une personne réelle apparaît.

Ce tableau a franchi les frontières chronologiques car Velázquez a fait quelque chose qu'aucun autre peintre n'avait encore fait auparavant: il s'est peint lui-même en exerçant le travail d'un artiste.

Cela revêtait une importance cruciale pour le monde de la peinture car il donnait une autonomie aux peintres. En outre, l'auteur semble avoir l'air complaisant envers le spectateur, comme s'il insinuait son immortalité enregistrée par l'acte créateur.

-Sculpture

Caractéristiques

La sculpture baroque se caractérisait principalement par un fort désir de mouvement qui se manifestait de manière obsessionnelle; selon certains connaisseurs, cela s'est passé d'une manière beaucoup plus notoire qu'en architecture.

Cette recherche d'expression du mouvement a eu pour conséquence que la sculpture a soulevé des schémas de composition à caractère libre, qui ne reproduisaient pas de compositions simples, mais aspiraient au scénographique, au théâtral et au pompeux.

Au baroque, des figures humaines ont été sculptées lors de l'exécution de scènes émouvantes, notamment lors de l'épisode le plus instable de l'action, au cours duquel le déséquilibre le plus important est perceptible.

De même, les sculptures baroques sont encadrées dans un contexte architectural; Cela signifie que les images peuvent être placées sur un autel, dans un jardin, dans des tombes ou des niches. Cela donne l'impression que les sculptures s'étendent à leur environnement et non seulement à la place qu'elles occupent.

Dans le cadre religieux, les thèmes de la sculpture baroque sont l'exaltation de la foi et les miracles, bien que vous puissiez également voir des thèmes mythologiques et même des bustes royaux. Ce que ces figures ont en commun, c'est leur naturalisme.

Œuvres en vedette

Bernini s'est distingué non seulement en tant qu'architecte, mais également en tant que sculpteur. De lui, nous trouvons deux œuvres particulièrement importantes pour le baroque: l' enlèvement de Proserpine et le David.

Dans le premier cas, l'auteur a décidé de représenter une histoire mythologique, dans laquelle Proserpina - également connu sous le nom de Perséphone - est kidnappé par Hadès, le dieu des enfers.

Dans ce travail, vous pouvez voir le mouvement à travers la déesse enlevée, car ses cheveux semblent s'étendre dans les airs; Ceci est également observé dans une moindre mesure dans les cheveux Hadès.

La scène représente le moment exact de l'enlèvement, de sorte que les corps des deux personnages sont tendus. Proserpine dirige sa tête du côté opposé à Hadès parce qu'elle tente de s'échapper, mais il la tient fermement par la cuisse.

Le détail de la main d'Hadès resserrant la peau de Proserpine est considéré comme l'une des plus belles images de l'histoire de l'art.

D'autre part, le David de Bernini se distingue de son prédécesseur (le David de Michel-Ange) par le fait que ce David a été sculpté pendant le processus de projection du rocher, de sorte que la sculpture tente de donner au spectateur une sensation de mouvement, mais aussi de tension; le personnage reflète dans son visage la concentration et la dextérité.

-Littérature

Caractéristiques

La littérature baroque a conservé les caractéristiques d’autres disciplines artistiques, principalement le caractère orné du travail artistique. C'est un style somptueux principalement dédié à l'enregistrement de la fugacité de la vie humaine, du rêve, du mensonge et de la lutte. Il s'est également concentré sur certaines histoires mythologiques.

En ce qui concerne le caractère compositionnel, la littérature baroque utilisait une hyperbaton excessive, des ellipses, des adjectifs, des antithèses et des métaphores, ce qui rendait la lecture difficile à de nombreuses occasions.

Dans le baroque espagnol, cette littérature a coïncidé avec le développement du célèbre âge d'or et a donc dominé les thèmes de la religion, de l'amour et de l'honneur. Dans la poésie, la littérature baroque a continué à utiliser le sonnet de la Renaissance, mais en ajoutant la volupté typique de ce mouvement.

Au cours de cette période, le roman à succès Don Quichotte de Miguel de Cervantes. Il y avait aussi des sous-genres très réussis dans la péninsule ibérique, tels que des romans picaresques. En outre, un autre écrivain important est apparu dans le théâtre: Pedro Calderón de la Barca.

Œuvres en vedette

Parmi ses auteurs les plus connus, il convient de mentionner les poètes Luis de Góngora et Francisco de Quevedo. Le premier a écrit un long roman intitulé Fábula de Píramo y Tisbe, qui a été catalogué par la critique comme un poème très complexe nécessitant beaucoup d’efforts rationnels et créatifs.

De même, Francisco de Quevedo a écrit 875 poèmes, qui ont été nuancés par différents sous-genres; certains étaient satiriques-burlesques, d'autres de cour amoureuse et morale.

Il avait aussi des vers religieux et funéraires. L'un de ses poèmes les plus connus est le soi-disant amour constant après la mort.

L'œuvre la plus connue de Pedro Calderón de la Barca, La vida es sueño, est réputée pour sa beauté poétique et sa musicalité parfaite. Dans ce texte, l’auteur a joué avec l’essence des rêves et avec la relation étroite qu’ils entretiennent avec le caractère éphémère de la vie et les plaisirs terrestres.

Dans le baroque anglais, William Shakespeare s'est démarqué.

- musique baroque

Certaines des caractéristiques de la musique baroque sont:

1. Le contraste Comme dans les autres expressions artistiques de l’époque, la musique baroque présente un contraste important entre les notes de chaque instrument et les voix des chanteurs.
2. Le continuo a été développé. Par exemple, la même note a été jouée avec différents instruments, tels que clavecin ou clavecin et violoncelle. De cette façon, la différence entre ces sons a été appréciée. Cette altercation de sons a été suivie par des sons lents.
3. La musique notale a été développée. Avant la musique était modale et basée sur des modes et des échelles anciennes. Au baroque fut créé le système de gammes: majeur et mineur, avec accords.
4. La boussole et le rythme sont créés. Le pouls régulier et marqué utilisé aujourd'hui est développé.
5. La musique instrumentale devient indépendante.
6. La musique profane a été popularisée et développée.
7. Les formes vocales sont développées: opéra, oratorio, cantate, passion.

- le théâtre baroque

Le style baroque dans les pièces était caractérisé par six règles fondamentales qui la régissaient:

1. Il a rompu avec la règle de 3 unités. Selon cela, chaque travail avait une action principale, un scénario et un jour (les actions se déroulaient le même jour).
2. Réduction du nombre d'actes: de cinq à trois.
3. Le langage a été adapté, ce qui a permis aux classes non privilégiées de comprendre le théâtre.
4. La tragicomédie a été introduite.
5. L'importance a été donnée aux figures rhétoriques dans les dialogues des personnages.
6. La métrique de la poésie lyrique est prise au théâtre.